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MAX BECKMANN: EL ARTISTA EN EL EXILIO

El Museo Thyssen abre en Madrid una exposición con las mejores obras del artista alemán
Con la abdicación de Guillermo II tras la revolución de noviembre de 1918, la nueva constitución alemana transformó el país en una república federal parlamentaria que liquidaba el periodo imperial y daba paso a la República de Weimar (por la ciudad en la que se firmó la constitución), que se prolongó hasta 1933, cuando los nazis tomaron el poder. Fue una época de turbulencias y de crisis económicas durante la que, sin embargo, se registraron importantes avances sociales y se ampliaron las libertades públicas, y durante la cual Alemania vivió una etapa de esplendor en las artes y en las letras. El impulso artístico de movimientos como la Bauhaus, el expresionismo y la Nueva Objetividad dio al país algunos de los artistas más apreciados internacionalmente, cuyas obras son aún hoy objeto de asombro. La llegada de Hitler al poder terminó con esta etapa de creatividad y paralizó la actividad de los artistas, muchos de los cuales tuvieron que exiliarse por sus ideas izquierdistas o por sus orígenes judíos. Entre ellos estaba Max Beckmann (Leipzig, 1884-Nueva York, 1950), autor de una obra pictórica personal, realista pero de resonancias simbólicas a través de cuyas alegorías pretendía pintar el aspecto sensorial del mundo, lo visible, como representación de lo invisible. Una importante selección de sus obras llega ahora al museo Thyssen Bornemisza de Madrid.
ETAPAS DE UNA VIDA
La primera sección de esta exposición recoge algunos autorretratos de Beckmann (“Autorretrato con copa de champán”, “Autorretrato como payaso”) y su obra más temprana, creada antes de la Primera Guerra Mundial y también durante los años de la República de Weimar, cuando la industrialización y la entrada de Alemania en la modernidad provocaron un éxodo del campo a la ciudad y transformaron el país en una potencia en ciernes. Beckmann recoge estas circunstancias en los cuadros de esta primera etapa en la que se aprecian sus lazos con la tradición y una profunda influencia de Cézanne. En 1913 consiguió el reconocimiento en todo el país y fue considerado como el más destacado representante de la Nueva Objetividad, sobre todo con los cuadros de escenas callejeras de la ciudad de Berlín (“La calle”, “Carnaval en París”). Voluntario en la Gran Guerra, al finalizar ésta se instaló en Frankfurt, donde conoció a su segunda mujer, Mathilde von Kaulbach, conocida como Quappi, modelo de algunos de sus cuadros (antes estuvo casado con la soprano Minna Tube). Entre 1933 y 1937 Beckmann aportó un nuevo formato pictórico: el tríptico (tres de los diez que se conservan se pueden ver en esta exposición), una referencia al arte medieval alemán gótico y renacentista.
PINTURAS DEL EXILIO
Destituido de su cargo en la Escuela de Frankfurt, el régimen nazi prohibió la exposición de las obras de Beckmann, las retiró de las colecciones públicas y las incluyó en la muestra itinerante de “arte degenerado”, abierta en la Haus der Kunst de Munich en julio de 1937, con la que se pretendía descalificar el cubismo, el impresionismo y el surrealismo y a artistas como Paul Klee, Kandinsky, Marc Chagall o Edvard Munch. El mismo día de la inauguración, el 19 de julio, Beckmann decidió abandonar el país y exiliarse primero en Amsterdam (1937-1947) y finamente en los Estados Unidos (1947-1950), donde ocupó la cátedra de pintura de las escuelas de Arte de la Washington University y del Brooklin Museum. El grueso de la exposición pertenece a esta segunda etapa del pintor. Relacionadas con sus obras del exilio son las cuatro metáforas bajo las que se agrupan sus pinturas de estos años: Máscaras, Babilonia eléctrica, El largo adiós y El mar.
‘Máscaras’ trata de representar la pérdida de identidad del exiliado a través de figuras como el artista ambulante o el actor de circo, que actúan ante el público siempre bajo un disfraz. A esta serie pertenecen “Begin the beguine” y el tríptico “Carnaval”. ‘Babilonia eléctrica’ (alusión al exilio de los judíos en Babilonia) retrata al exiliado en la ciudad moderna, en el laberinto de bares, salas de juego, salones de baile y locales de espectáculos, donde todo es brillo de lentejuelas y fuegos artificiales, los ambientes con los que se encuentran quienes vienen del campo a la ciudad. En esta serie se inscriben “Gran varieté con mago y bailarina”, “El hijo pródigo” y “Noche en la ciudad”. ‘El largo adiós’ relaciona el exilio con la muerte a raíz del axioma “partir es morir un poco”. A esta serie pertenece su díptico compuesto de “Nacimiento” y “Muerte”, y también “Vampiro” y “Globo con molino”. Por último, ‘El mar’ es una alegoría del infinito, del lugar sin límites. “El traslado de las esfinges”, “Camarotes” y “Hombre cayendo” pertenecen a esta serie, donde se ha instalado también su tríptico “Los argonautas”, que el artista finalizó el 27 de diciembre de 1950, el mismo día en que un infarto fulminante terminó con su vida cuando paseaba por las calles de Nueva York.

TÍTULO. Beckmann. Figuras del exilio
LUGAR. Museo Thyssen Bornemisza. Madrid
FECHAS. Hasta el 27 de enero de 2019

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PSICODELIA. EL ÚLTIMO VIAJE

 

El Círculo de Bellas Artes de Madrid muestra una exposición que rescata el arte del movimiento hippie
Fueron los años más vibrantes de la década de los sesenta, ya de por sí vertiginosa, cuando la música pop, desde que el rock and roll se erigiera como expresión simbólica de un nuevo cambio generacional, había ocupado la banda sonora de las vidas de millones de jóvenes de todo el mundo. Fueron ellos, los jóvenes y adolescentes de la última posguerra mundial, quienes tomaron la iniciativa en las modas, las costumbres, el arte, la cultura (y la contracultura), expresiones que giraban alrededor de nuevas manifestaciones artísticas cuya principal característica era la ruptura. Fue en esos años cuando apareció una nueva manifestación artística, la psicodelia, relacionada fundamentalmente con la música pero con derivaciones en las artes plásticas, el diseño gráfico y el cine, cuyas estéticas estaban influenciadas por los efectos del consumo de drogas alucinógenas.
La psicodelia relacionaba lo espiritual con una nueva forma de creación artística que supuestamente nacía en un estadio del inconsciente, al que se llegaba a través de sustancias como el LSD. Se sabe que los artistas consumían drogas pero no está muy claro que sus seguidores tuvieran las mismas experiencias. Bob Stanley, en su monumental ensayo “Yeah!. La historia del pop moderno” dice que los grupos cantaban canciones sobre un mundo que la mayoría de los oyentes no había experimentado nunca: “el público captaba la onda pero sin ‘expandir la mente’ ni ‘liberarse’ del todo”, escribe.
La psicodelia se inició en la música pop desde el principio de la década (el crítico Diego A. Manrique localizó en un single de The Gamblers, de 1960, un tema instrumental de título “LSD”), aunque el momento cumbre de este movimiento llegó en 1967, cuando The Beatles, el grupo más influyente de la música pop de aquella década, lanzó el álbum “Sgt. Peppers”, que adoptaba aquella estética psicodélica en su música, en las letras de sus canciones y en las imágenes que ilustraban el álbum, cuya autoría era de los artistas del Pop-art Peter Blake y Jann Haworth, refrendando en Europa un camino iniciado en la costa oeste de los Estados Unidos por el movimiento hippie, heredero directo del espíritu bohemio de los beats de Jack Kerouac, y por grupos como la Steve Miller Band, Love, Grateful Dead, Jefferson Airplane y los Doors de Jim Morrison, cuya estela siguieron después otros como Traffic, Pink Floyd y Jimi Hendrix. El 67 fue también el año del verano del amor, cuando el movimiento hippie alcanzó su climax.
UN ARTE PSICODÉLICO
De todo aquel movimiento ha quedado la música pero también toda una estética que artistas como Michael Ferguson (teclista del grupo Charlatans, a quien se atribuye la autoría del primer poster de rock psicodélico), Víctor Moscoso, Wes Wilson, Anton Kelley, Stanley Mouse, Rick Griffin, Gary Grimshaw…. dejaron para la posteridad en fotografías, posters, revistas, portadas de vinilos y anuncios publicitarios de acontecimientos como el Human-Be-In y de conciertos y festivales como los de Monterrey y Altamont o los multitudinarios de Woodstock y la isla de Wight.
El arte sicodélico de aquellos años puede verse ahora en una exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en la que, además, hay una fuerte representación de lo que se hacía entonces en países como Alemania y Checoslovaquia. Se pueden ver aquí más de 850 piezas, entre ellas unas 300 portadas de discos de Bob Dylan, los Beatles, Crosby, Stills, Nash and Young, Pink Floyd, los Stones, Mothers of Invention… ejemplares de revistas internacionales (“Oracle”, “Berkeley Barb”, “Oz”, “Sounds”, “New Musical Express”, “Melody Maker”), folletos, objetos de época y libros sobre música, literatura psicodélica, cultura hippie y drogas. La mayor parte de las piezas aquí expuestas pertenecen a la colección privada del historiador checo-germano Zdenek Primus, que ha venido reuniéndolas con pasión desde los años de la Primavera de Praga, cuando la brecha abierta con la apertura de la experiencia de Dubceck permitió una excepcional proliferación de esta manifestación artística alternativa en su país. Una exposición muy completa en la que únicamente se echa de menos una mayor presencia española (apenas la de los Bravos), aunque para conocer la implicación de los grupos musicales y de los artistas españoles en el mundo de la sicodelia, se nos hace obligado recomendar una muestra paralela a ésta, a poca distancia del Círculo de Bellas Artes (en el centro Cultural Fernán Gómez). Se titula “El pintor de canciones. Artes visuales, escritura y música popular en el Estado español (1950-1978). Un excelente complemento a esta otra sobre el arte sicodélico.

TITULO. Psicodelia en la cultura visual de la era beat (1962-1972)
LUGAR. Círculo de Bellas Artes. Madrid
FECHAS. Hasta el 20 de enero de 2019

LINA BO BARDI. UNA ITALIANA EN BRASIL

 

Se expone por primera vez en España la obra de la artista Lina Bo Bardi

 

Achilina di Enrico Bo, la artista que firmaba sus obras como Lina Bo Bardi, había nacido en Roma en 1914 y hasta los 32 años nunca había pensado que su vida iba a transcurrir lejos de su país de origen. Trabajó como arquitecta en Milán, donde colaboró en revistas como “Lo Stile” y “L’Illustrazione Italiana”. En Roma conoció al crítico y coleccionista Pietro María Bardi, con quien se casó. Juntos fundaron la revista “Cultura della Vita” y juntos visitaron por primera vez Brasil en 1946 cuando a su marido le ofrecieron gestionar la creación del Museo de Arte Moderno de Sao Paulo. Brasil ejerció desde muy pronto una fuerte atracción en esta mujer arquitecta cuya actividad artística abarcó además el diseño, la literatura, la museografía, la escenografía y el activismo cultural. Brasil la fascinó desde el primer momento por su cultura popular y por sus manifestaciones artísticas, desde la tradición a la vanguardia. No sólo adoptó la nacionalidad brasileña sino que decidió quedarse para siempre en este país para transformar el arte del viejo mundo del que procedía a través del nuevo mundo donde había descubierto una expresividad influida por la mezcla de razas y culturas diversas: europeas, indígenas, africanas… En 1951 concluyó una de sus obras más conocidas, la “Casa de Vidrio”, que sirvió primero como su propio hogar y más tarde como centro cultural brasileño. Entre otras arquitecturas de Bo Bardi destacan el Teatro Oficina y la plaza del Museo de Sao Paulo. Más tarde dirigió el Museo de Arte Moderno de Salvador de Bahía, para cuya sede restauró el viejo complejo arquitectónico colonial Solar do Unhao. Sus trabajos en Brasil son ejemplos de la renovación de la arquitectura de este país. Lina Bo Bardi murió en Sao Paulo en 1992.
UNA EXPOSICIÓN MULTIFACÉTICA
En esta primera exposición en España de Lina Bo Bardi se han reunido materiales de todas sus facetas: dibujos, pinturas, esculturas, fotografías, documentos, piezas de artesanía, objetos diversos… que se muestran en contexto con obras de artistas coetáneos que compartieron su misma pasión: Max Bill, Calder, Saul Steinberg o los brasileños Roberto Burle, Cícero Dias, Lygia Clark y Hélio Oiticia, además de una excelente representación de arte indígena y popular. El título de esta exposición, “Tupi or not tupi”, de reminiscencias shakesperianas, es un guiño al eslogan del “Manifiesto antropófago” que Oswald de Andrade escribiera en 1928 ilustrado por su esposa Tarsila do Amaral, uno de los manifiestos artístico-ideológicos de la vanguardia latinoamericana en el que se reivindica la cultura autóctona frente al colonialismo europeo, que es uno de los principios fundamentales de las creaciones de Lina Bo Bardi y de esta exposición.
Una de las aportaciones más interesantes que se hicieron expresamente para esta muestra es la reconstrucción de la “Gran Vaca Mecánica” que Lina Bo Bardi diseñó para el Museo de Arte de Sao Paulo que la artista italiana fundó en 1947, y que daba la bienvenida a los visitantes. Se trata de un contenedor expositivo construido en chapa de hierro coloreado en bermellón, dorado y azul arara, que puede incorporar en su cuerpo elementos como una radio, un motor térmico, antenas, elementos que se hacen funcionar a través de un circuito eléctrico. También están aquí la “Bardi’s Bowl”, un casquete esférico convertido en sofá, y la “Silla al borde del camino”.
TÍTULO. Lina Bo Bardi. Tupi or not tupi (Brasil (1946-1992)
LUGAR. Fundación Juan March. Castelló, 77, Madrid
FECHAS. Hasta el 13 de enero de 2019

EN LA MUERTE DE XULIO FORMOSO

A los 69 años se ha muerto en Madrid de un infarto el artista y cantautor hispano-venezolano Xulio Formoso. Había llegado a España hacía una semana con la esperanza de que aquí se pudiera operar de un tumor de garganta que le habían diagnosticado en Caracas hace unos meses. Ante la precaria situación de la sanidad venezolana decidió viajar a Madrid, donde vive una de sus hijas, para seguir un tratamiento que ya había iniciado en el hospital Ramón y Cajal. Ya había estado en España en 2016, a donde había llegado con la intención de quedarse a vivir en su país, pues mantenía la nacionalidad española, pero el gobierno venezolano nunca llegó a pasarle la pensión que le correspondía y que era lo único con que contaba para vivir (una situación que al parecer padecen varios miles de emigrantes retornados), por lo que tuvo que regresar a Venezuela.
UN ARTISTA POLIFACÉTICO
Xulio Formoso nació en Vigo y estudió el bachillerato en esta ciudad y en Bueu (Pontevedra), donde vivió varios años en la Casa de los Picos. Terminó sus estudios en el Liceo Gustavo Herrera de Caracas, donde vivió desde que en 1965 viajó a Venezuela para reencontrarse con su padre, el periodista Julio Formoso, exiliado en aquel país. En Venezuela inició una carrera de cantautor y fue miembro fundador del grupo de teatro Rajatabla. En 1970 publicó el álbum “Galicia canta”, producido con la intervención directa del poeta Celso Emilio Ferreiro, que participó en el tema “Pandeirada do Che” tocando el pandeiro. Pilocha y Luar na lubre hicieron versiones de algunas de las canciones de este disco.
En 1971 publicó el álbum “Xulio Formoso” y compuso la música de la obra de teatro “Tu país está feliz”, escrita por el poeta brasileño Antonio Miranda. Formoso grabó también un disco con las canciones de la obra. En 1972 compuso la música de “Venezuela tuya”, de Luis Britto, y en 1973 grabó el LP “Chipi Manahuac”, de claras influencias incaicas, fruto de sus viajes por Perú, Bolivia, Ecuador y Chile. Ese mismo año compuso la música de la obra “Jesucristo astronauta” de Antonio Miranda. En 1974 Formoso experimentó con la música infantil, actuando y cantando en “El elefante volador” de María Elena Walsh. En 1974 grabó su sexto LP, “La canción que va conmigo”, título de un poema de Celso Emilio Ferreiro. Posteriormente viajó a Puerto Rico y República Dominicana, de donde fue expulsado a causa de un recital en la cárcel de presos políticos. Ese mismo año intervino activamente en la campaña del Movimiento al Socialismo (Venezuela), participando en numerosos actos. Dos años antes había celebrado recitales en el Chile de la Unidad Popular, actuando con los hermanos Parra, y en 1973 pudo escapar por poco del golpe a Salvador Allende.
En 1975 publicó el LP Guillén el del son entero, dedicado a la obra do poeta cubano Nicolás Guillén, disco en el que experimentó con ritmos afrocaribeños. Ese año compuso la música y actuó en “El séptimo ángel”, de Ernesto Cardenal y realizó un programa especial en la televisión de Venezuela basado en el poemario Longa noite de pedra de Celso Emilio Ferreiro. Su disco “Levántate, Rosalía”, de 1976, estaba dedicado a la obra poética del venezolano Aquiles Nazoa. En 1977 grabó “Soles y centauros”, sobre la conquista de México y compuso la música para “El círculo de tiza caucasinao”, de Bertolt Brecht, obra en la que actuó como narrador y cantor. A la resistencia antifascista chilena en el exilio Formoso dedicó ese mismo año el LP “Fuego y poesía” En colaboración con el poeta gallego Farruco Sesto grabó en 1978 “Amantes de ningún lugar”, y en 2009 “De par en par”. En 2004 compuso la pieza sinfónica “Cantata a Bolívar” basada en el poema homónimo de Pablo Neruda. A principios de 2006 compuso las canciones del álbum “Cançoes perversas”, con letras de Antonio Miranda, grabado y editado en Brasil e interpretado por George Durand.
En junio de ese año fue nombrado por el gobierno de Venezuela Presidente de la Fundación Centro Nacional del Disco (CENDIS). Una de las primeras grabaciones de esta institución fue “Anda suelto el animal”, en 2008, una caja de tres CD’s con 39 canciones, un DVD y un libro, producto de la colaboración entre Formoso y Farruco Sesto, en el que contó con la participación de importantes cantantes y músicos venezolanos.
Artista plástico e escritor
Otra de las facetas de Xulio Formoso fue su actividad como artista plástico de vanguardia. Su última exposición fue “Objetos dispersos”, de 2008, en la Galería Red de Arte de Caracas. Desde 2007, escribía como columnista y articulista y dibujaba para diversas publicaciones culturales venezolanas.
Desde 2013 colaboraba con sus ilustraciones en Faro de Vigo y “Periodistas en español”. Son suyas también muchas de las ilustraciones de este blog, incluido este autorretrato que preside este artículo. Descanse en paz.

EL ARTE DE ROY LICHTENSTEIN

 

Llega a Madrid una exposición de carteles de uno de los protagonistas del Pop Art
Aunque tuvo sus orígenes en Europa en la obra de artistas como Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, en uno de cuyos cuadros apareció por primera vez la palabra pop, el Pop art tuvo su desarrollo más espectacular en los Estados Unidos como reacción al expresionismo abstracto, desde donde se expandió a todo el mundo. Artistas como Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann y Roy Linchtenstein crearon un universo icónico cuyas propuestas se centraban en los medios de comunicación, la cultura de masas, la publicidad y el consumo. De Lichtenstein (Nueva York, 1923-1997) se expone ahora en Madrid una colección de sus carteles más representativos. La novedad de esta exposición está en la clasificación de sus obras en seis apartados temáticos según la finalidad para la que fueron creadas.
La formación de Lichtenstein en el mundo editorial como diseñador le facilitó el trabajo de elaborar carteles publicitarios inspirados en los comics, la publicidad y las revistas ilustradas de los años cincuenta y sesenta. Una de sus originalidades fue la introducción de cuadrículas formadas por puntos regulares que imitan la estética de los comics y de las tiras ilustradas de los periódicos, los famosos puntos benday, una de sus señas de identidad. Comienza su carrera en el Pop art con series dedicadas a mujeres jóvenes, rubias, idealizadas, convertidas en sex symbols, para pasar a los temas para adultos y a las historietas bélicas. Algunas de las famosas chicas de Lichtenstein, como “Crying Girl” (Chica llorando), se convirtieron en verdaderos iconos del Pop art. Entre sus imágenes bélicas destacan “Crak!”, “Whaam!”, de su serie Explosiones, y “Cuando abrí fuego” (Lichtenstein participó en la II Guerra Mundial en Francia y Bélgica). A raíz de su relación con el galerista Leo Castelli, representante también de Jasper Johns, Rauschenberg, Oldenburg y Warhol, la obra de Lichtenstein traspasó las fronteras de los Estados Unidos y se convirtió en una de las más apreciadas en todo el mundo.
LA EXPOSICIÓN
El recorrido de la muestra comienza con los carteles que Lichtenstein creó exclusivamente para las exposiciones sobre su obra que organizaban museos como el Guggenheim de Nueva York, la Tate Gallery de Londres o el Moderna Museet de Estocolmo durante los años sesenta, setenta y ochenta. “Art about art”, “As I Opened Fire Poster” son muestras importantes de esta sección. Lichtenstein adaptaba sus obras para estas exposiciones según el objetivo para el que se configuraban.
De similares características es la sección que recoge los carteles que Lichtenstein creó para publicitar exposiciones propias y ajenas en galerías de arte como la Beyeler de Basilea, la Ace Gallery de Los Ángeles y sobre todo para las de la galería de Leo Castelli. A principios de los sesenta los comics fueron la principal inspiración de los carteles de Lichtenstein. Utiliza los personajes populares de las tiras, como Mickey Mouse y Tin Tin, y los convierte en protagonistas de sus obras. A veces satiriza la pintura abstracta en series como “Brushtroke” (Brochazo) y otras rinde homenaje a otras obras de arte como en “Red Horseman Poster”, donde evoca la obra del futurista italiano Carlo Carrà. Relacionados con los personajes de sus Girls, en los desnudos femeninos de “Nudes” presenta a mujeres jóvenes individuales o en grupo, utilizando una estética idealizada y muy pudorosa. En esta sección se pueden ver algunas obras de su serie “Pinturas imperfectas” y el cartel de la muestra itinerante “11Pop Artists” de 1966, inspirado en el comic para adultos, en el que se recoge un puñetazo presidido por la onomatopeya Pow!, como se hace en los dibujos de las historietas.
Pero también los museos dedicaban a Lichtenstein homenajes a través de carteles que anuncian exposiciones en cuya elaboración también participa a veces el artista. Instituciones como The Smithsonian de Washington y museos como el MoMA de Nueva York solicitaron a Lichtenstein que pintara para ellos algunos de los carteles que anunciaban grandes exposiciones, entre ellas algunas del propio pintor. En estos carteles hace referencia a movimientos artísticos anteriores como el Art déco o a artistas como Matisse.
Uno de los apartados más sugerentes de esta exposición es el de los carteles dedicados a aquellas causas políticas y sociales que contaban con la simpatía de Lichtenstein, a veces solicitadas por los organizadores de movilizaciones a favor de estas causas como Amnistía Internacional o Unicef, y otras por iniciativa del propio Lichtentein. Aquí se pueden ver mensajes antirracistas (“Against Apartheid”), ecologistas (“Save Our Planet, Save Our Water”), contra el hambre en el mundo (“Care Poster”) y de apoyo a candidatos del Partido Demócrata (“Dukakis!”). O su visión de lo que debiera ser el despacho oval del Capitolio en “A New Generation of Leadership”. Los carteles se vendían para recaudar fondos para estas causas.
La exposición termina con el apartado dedicado a los carteles que Lichtenstein elaboró sobre acontecimientos culturales y deportivos, anunciando eventos y celebraciones relacionadas con el mundo de la cultura. Una de las series de más éxito de Lichtenstein fueron las Modern Paintings, inspiradas en el Art déco de los años veinte, como el poster que anuncia el IV Festival del Lincoln Center de 1966, en el que evoca las películas americanas de los años treinta.

TÍTULO. Roy Lichtenstein. Posters
LUGAR. Fundación Canal de Isabel II. Mateo Inurria, 2
FECHAS. Hasta el 5 de enero de 2019

TAMARA DE LEMPICKA EN SU CONTEXTO

Llega a Madrid una gran exposición de la artista más representativa del Art-déco

Los años veinte del pasado siglo fueron una década dominada por el énfasis en la recuperación del tiempo perdido durante la Gran Guerra. Los métodos para poner en práctica el nuevo espíritu de la modernidad que llegaba con los adelantos técnicos y los cambios en las costumbres, obedecían al impulso de disfrutar de la vida, lo que los franceses llamaban joie de vivre. Fueron unos años en los que el cosmopolitismo de la nueva sociedad se manifestaba a través de los viajes y los nuevos medios de comunicación: modernos automóviles, aviones, trasatlánticos, zepelines… La nueva sociedad europea trataba de demostrar que había superado el trauma de la guerra a través de muestras de exotismo y seducción que incluían la música de jazz, el cine de Hollywood y los nuevos productos de consumo. La nueva estructura social, donde la mujer comenzaba a tener un poder adquisitivo propio que le permitía entre otras cosas una mayor liberación sexual, se manifestaba en la moda, fundamentalmente femenina. En este contexto nació el Art-déco, un movimiento artístico que se identificaba con estos valores y con la estética ornamental del momento. Una de sus artistas más representativas fue la pintora Tamara de Lempicka, de quien acaba de inaugurarse en Madrid una exposición que, junto a sus cuadros, reúne elementos que contextualizan aquella época, como muebles, joyas, vestidos y objetos decorativos. La obra de Tamara Lempicka, ignorada durante muchos años, ha recuperado actualmente vigencia, rescatada por personajes como la cantante Madonna, que adopta la estética de la pintora para sus espectáculos (Madonna posee varios cuadros de la artista, que nunca ha prestado) o los grandes diseñadores de moda como Dolce &Gabanna, Versace y Karl Lagefeld.
UNA PERSONALIDAD FASCINANTE
No se conoce con certeza ni el lugar exacto (¿Varsovia, Moscú, San Peterburgo?) ni el año de nacimiento (entre 1895 y 1899) de Tamara Rosalía Gurwik-Gorska, que adoptó el apellido de su marido, el aristócrata ruso Tadeusz Lempicki, con quien se casó en vísperas de la revolución soviética. La detención de Tadeusz por el nuevo régimen obligó a Tamara a trasladarse a París en 1917, donde su marido se reunió con ella dos años después. En París inició una carrera relacionada con la moda y el diseño en un ambiente elitista e ilustrado en el que se relacionaba con personajes como James Joyce, Colette, Cocteau, Gie, Picasso e Isadora Duncan. Comenzó a exponer sus primeros cuadros en el Salón de Otoño de 1922 y en el Salón de los Independientes en París, Milán y Burdeos, donde causaron sensación sus primeros desnudos.
1925 fue un año decisivo para Tamara de Lempicka. Entre los meses de abril y octubre se celebró en París una exposición internacional de artes decorativas con el fin de recuperar en todo el mundo la primacía de los productos de la industria francesa en este campo. Fue en esta exposición donde nació el Art-déco, un movimiento que fascinó a Tamara de Lempicka porque era una expresión rupturista que proponía un cambio del concepto del arte en un mundo transformado por la industrialización. El Art-déco se manifestaba además como una reacción a la austeridad y al conservadurismo y era un llamamiento a disfrutar de la vida. En este contexto, la obra de Lempicka bebe de las fuentes de la pintura italiana del siglo XV y la flamenca del XVII, de Van der Weyden, Vermeer y El Greco, pero también de Miguel Angel y Rafael. El retrato fue uno de los géneros que cultivó con más éxito. Por su taller pasaron científicos, intelectuales, escritores y miembros de la antigua nobleza exiliados de las revoluciones europeas. Su hija Kizette Lempicka fue también su modelo sobre todo durante su infancia y adolescencia (“Kizette en el balcón”) y también en la edad adulta (“Madre con niño”). En 1932 viajó a España y en 1934 retrató a Alfonso XIII en su exilio en Italia, un retrato, inacabado, que se expone ahora por primera vez en Madrid tras haber sido recientemente descubierto.
Después de su divorcio y del impacto de su famoso “Autorretrato (Tamara en un Bugatti Verde)”, en 1929 Tamara de Lempicka viajó por primera vez a Estados Unidos para participar en una exposición. Poco antes de estallar la II Guerra Mundial la artista llegó al cénit de su fama con una exposición en el museo Jeu de Paume parisino. Ante la amenaza de la guerra se traslada a Estados Unidos con su nuevo marido, el barón judío Raoul Kuffner, y se instala en Beverly Hills en una antigua villa del director de cine King Vidor cuyo mobiliario había sido comprado por Zelda y Francis Scott fitzgerald y en la que organizaba fiestas a las que acudían estrellas de Hollywood como Pola Negri, Greta Garbo, Tyronne Power, Orson Welles, Dolores del Rio o Charles Boyer. Expone en Los Ángeles, San Francisco y Nueva York, desde donde regresa a París al término de la guerra. Europa vuelve a interesarse por su obra a raíz de la exposición “Les Annees 25”, conmemorativa de aquella en la que había nacido el Art-déco. A la muerte del barón se traslada a Houston y en 1978 fija su residencia en Cuernavaca (México) hasta su muerte en 1980. Sus cenizas fueron esparcidas en la cima del volcán Popocatepetl.
LA EXPOSICIÓN
La última exposición de Tamara Lempicka se celebró en la Casa das Artes de Vigo en 2007. Las aproximadamente 200 piezas que se muestran en esta exposición de Madrid, procedentes de 40 museos y colecciones privadas, se organizan en un orden pensado para contextualizar la obra de la artista en diez ambientes Art-déco con muebles, biombos, lámparas, jarrones, vidrieras y fotografías de la época. El recorrido se inicia con dos secciones dedicadas a su etapa parisina de los locos años veinte, incluyendo la reconstrucción de estancias de su casa-estudio de la Rue Méchain, una especie de museo Art-déco del arquitecto Robert Mallet-Stevens decorado con tubos, muebles de acero y esculturas modernistas.
La relación de Tamara de Lempicka con la moda se manifiesta en una sección con ilustraciones de la artista para revistas, bocetos y figurines originales, trajes, zapatos y sombreros presididos por cuadros como “Las confidencias (las dos amigas)” y “La bufanda azul”.
La personalidad bisexual de Tamara de Lempicka se manifiesta en la sección “Las amazonas”, nombre con el que en el siglo XIX se denominaba a las lesbianas. El tabú con el que gran parte de la sociedad trataba la homosexualidad contrasta con el carácter desinhibido con el que la pinta la artista en obras como “El doble 47” y en desnudos como el de “La hermosa Rafaela”. La exposición se cierra con imágenes de Ira Perrot, la mujer con la que mantuvo Tamara de Lempicka relaciones amorosas durante décadas (“Sa tristesse”), Rafaela, una modelo de su desnudo más sexual (“La hermosa Rafaela”) y escenas eróticas como “Las muchachas jóvenes”.
TÍTULO. “Tamara de Lempicka. Reina del Art-déco
LUGAR. Palacio de Gaviria. Madrid
FECHAS. Hasta el 24 de febrero de 2019

EN LA MUERTE DE HELENA ALMEIDA

Hija, esposa y madre de artistas, la portuguesa Helena Almeida (1934-2018) murió el pasado 25 de septiembre a los 84 años, mientras dormía, en su domicilio de la localidad portuguesa de Sintra. Había nacido en una familia de artistas y desde niña estaba acostumbrada a relacionarse con la creación plástica a través de su padre, el escultor Leopoldo Neves de Almeida, con quien se inició como ayudante antes de su formación académica en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa y después en París.
Referente del arte contemporáneo portugués, Helena Almeida inició su carrera como pintora en los años sesenta del siglo XX y posteriormente buscó en el dibujo y el vídeo una forma más expeditiva de manifestar sus inquietudes, que encontró definitivamente en la fotografía. Una fotografía a la que sometía a un tratamiento pictórico experimental a través del que descubrió sorprendentes efectos estéticos y en el que encontró una forma de romper los límites entre el arte y el artista y de cuestionar la separación de disciplinas.
La fotografía fue desde muy pronto el recurso preponderante en la obra de Helena Almeida, como demuestran sus series “Pintura habitada”, “Estudio para un enriquecimiento interior” y “Ouveme”. Evolucionó en sus relaciones entre la pintura y la fotografía con logros como “A Onda” y “Dentro de mim”.
EL CUERPO COMO OBRA DE ARTE
Como Cindy Sherman, Helena Almeida utilizaba habitualmente su propio cuerpo (casi nunca su rostro completo) como materia pictórica y fotográfica, a la manera de los creadores del body art y las antropometrías de Yves Klein. Fue a partir de los años 70 cuando orientó su obra hacia la representación retórica utilizando su cuerpo para exponer la relación dialéctica entre realidad y representación, siempre como artefacto transgresor, nunca como personaje ni como autorretrato. Una fotografía casi siempre en blanco y negro que retocaba utilizando colores saturados, como azul cobalto y rojo intenso. Hizo casi todas sus fotografías en su propio estudio, el mismo en el que de niña trabajaba con su padre, y a veces en su jardín, con su cuerpo como modelo (“Mi obra es mi cuerpo, mi cuerpo es mi obra”, tituló una de sus series) habitualmente vestida con ropas de color negro que aplastan la figura, que se perfila así con mayor con nitidez sobre un fondo claro. Utilizaba ese estudio como una manera de documentar el espacio que habitaba, y su cuerpo como una performance, una instalación visual que después congelaba en sus fotografías, como si fueran esculturas efímeras. A través de las diferentes poses de su cuerpo y de sus gestos elaboraba una crítica a la cultura, a las convenciones sociales y al papel histórico de la mujer, como se manifiesta en la serie “Corpus”, en el que se celebra el cuerpo femenino como símbolo de resistencia. “Corpus” fue una de las últimas exposiciones de Helena Almeida en España, en el IVAM de Valencia, en marzo del año pasado.
Ella creaba los ambientes y las atmósferas en las que se situaba para que su inseparable marido Artur Rosa (en “Sin título” aparecen ambos atados por las piernas) disparase la cámara. Entre sus series más destacadas figura la trilogía “Siénteme, Escúchame, Mírame” con la que celebró la llegada de la revolución de los claveles. Su figura desaparece de su obra a principio de los años ochenta, pero vuelve a recuperarla con la serie “Seduzir” y el políptico “Dentro de mi”. En su última serie, “Diseño”, en blanco y negro, su cuerpo vuelve a ser el protagonista total, como culminación del proceso vital y creativo de la artista.